我们可以用以下措辞归纳出美国艺术的当前趋势：某一时期为”抽象绘画与态势绘画”，另一时期则为”修辞艺术的复兴”。今日欲利用精准的方法来确定当代艺术理论更是难上加难。一方面是因为艺术形式转变，另一方面则因为世界变化多端。不过我相信当代艺术会跟随潮流而行。我们可以从各个艺术家证明自己能力的作为上及思考这些艺术家如何让我们更熟谙艺术定义而获得理解。

但是在我们了解艺术定义之前，我们应该更仔细地了解「美国艺术」的概念。这个概念看似简单其实错综复杂。像是带有典型美国特质的”美国风格”绘画或雕刻就曾为现代主义者持久不变的艺术批评原则。然而现今「美国艺术」已不再是地理学、民族起源或观点这种简单主题，取而代之的则是市场全球化、易于国际沟通及艺术家从一个国家到另一个国家的游牧运动，所有这些都是在无国家认同之落实概念的前提下为艺术世界提供贡献。艺术家将拜访过的国家视为自己的家乡并视自己为连字符号的归化美国人是很普遍的事。我最近出席了一场吸引全世界艺术家参展的展览会，且我遇见不少非常有意思的国际艺术家，像是来自古巴、奈及利亚、中国…等等的艺术家，此外我还发现他们现在就居住在离我不远的纽约市里。

这种易变性是当代美国艺术讨论中的重要元素。国家之间的界限不再壁垒分明，至少艺术领域的界限已日益模糊，也因为如此其它领域的界限也不再清晰稳固。当然也几乎没有人会再对绘画与雕刻的特有风格感到不安。艺术家在全球到处停留创作时，他们不但能毫不费劲地运用媒体，还能创作出结合传统题材与数字科技、戏剧装置、摄影术、表演、音乐、电影及录像带的作品。

同样地，「公共艺术」曾意指摆放在公共广场上的大型雕塑品。而现在所谓的公共艺术也许可于因特网上欣赏，亦或是小型社群会员共同完成一项地方性的艺术工程。同样改变的是”艺术应该纯粹就是艺术”的老旧观念。现今艺术家会将科学、政治学、宗教学、建筑学及生态学融入他们的作品里，且希望这些作品的影响力不仅在画廊墙上而是能无远弗届。

艺术的衍伸意义
欲倘佯在艺术全新开展的世界里必须拥有机敏的头脑并愿意舍弃先入为主的偏见。从当下一些引起讨论的艺术家中即可得窥一二。

其中最著名的艺术家之一即为艺术家兼电影制作人马修•巴尼(Matthew Barney)，他一直以来都是纽约古根汉美术馆(Guggenheim Museum)的主要回顾展。巴尼(Barney)不但是电影制作人也是装置艺术家，尽管他大部分的装置艺术都是由他电影里的道具所组成。他用毕身精力完成的巨著是一部长达7小时名为《悬丝》(Cremaster)的五部曲电影。虽然每部曲都像是由影片长度与视觉飨宴所构成的剧情长片，然而巴尼(Barney)以创意结合的电影与你在本地电影院看到的电影是完全截然不同的类型。他的整部电影只出现12句对白，且剧情里所有的古怪角色与生物都跨越性别及种族界限。像是有猎豹妇女、会跳踢踏舞的好色之徒、会吹风笛的苏格兰人、作家诺曼•梅勒(Norman Mailer)扮演逃脱艺术家哈利•胡迪尼(Harry Houdini)的重新想象版，与女演员乌苏拉•安德鲁斯(Ursula Andress)扮演的悲剧皇后。且这五部曲是以布斯比•伯克利(Busby Berkeley)30年代的好莱坞舞蹈场面、美国连续杀人犯加里•吉尔摩(Gary Gilmore)以及共济会秘密仪式(Masonic ritual)为主轴。整个故事结构模棱两可，且电影评论家对它蕴含的含意也各有歧见。.

马修•巴尼(Matthew Barney)之所以能成为当今最被热烈讨论的艺术家之一是因为他融合流行文化、个人幻想、高级艺术与建筑学的独特方法，他不但将影像幻化为错综复杂且高要求的电影世界，且他以他独特表达模式说服大众的电影还非常难以推测揣摩。由于巴尼(Barney)的作品是以前后一致的方式精心编织而成所以特别经得起一看再看。

从马修•巴尼(Matthew Barney)的《悬丝》(Cremaster)五部曲可以看出艺术如何与电影结合以创造出有别于我们传统期望的创新表演。且从革新主义建筑师当中的夫妻团队狄勒(Elizabeth Diller)和斯卡菲狄欧(Ricardo Scofidio)的作品可以看到其结合艺术与建筑的创作。

即使是受过专业训练的建筑师也能沈浸在艺术世界里，像是狄勒(Elizabeth Diller)与斯卡菲狄欧(Ricardo Scofidio)创作的作品不但呈现建筑的真义同时也阐述建筑如何在世界运作。他们最著名的作品是一座委任建造却从未完成的海滩屋，他们建立的初衷是以一扇窗看出去的景色为创作灵感。除此之外，以此模式建立的无窗屋也是难解之谜，除非你进入房子的内部看到厨房、客厅及卧室才会体认到它是栋正常的房子。但是最关键的结构是房子最远程的大片玻璃窗，却也因为如此这栋房子就像是圣杯一样永远无法真正被拥有。曾有造访者为了亲眼目睹万众期盼的景象而进入房子参观，他们发现实际上看到的景象比透过录像带看到的要出色许多。也就是说此栋房子不但是富有功能性的建筑物，也是一件提醒我们感知现实的概念艺术作品。

狄勒(Elizabeth Diller)与斯卡菲狄欧(Ricardo Scofidio)也探究出我们体验空间的方式会随着监视系统而改变。这也培养出他们早期对窗户如何在现代式建筑上创造出透明感的兴趣。其中一项餐厅内部的设计企画案就是将监视摄影机直接瞄准吧台客人，接着监控画面将播放在餐厅外所有过路民众都能看到的屏幕上。这种安排不但彻底改变了观看者与被观看者的普通关系，也再度改变我们对世界的看法。

艺术即生活
藉由监视系统与建筑结合可延伸艺术的定义。其它的艺术家也以相同的模式将他们的艺术活动与公司企业结合，像是朱丽娅•谢尔(Julia Scher)便结合安全专家与她自己的公司创造以十八台监视录像器摄录像像合成的装置艺术－「Security by Julia」。为了在画廊与其它机构中实现艺术结合，她向保全公司借用了监视录像机、监视屏幕、录音器材这些监视设备，以及身穿以谢尔(Scher)为特征的粉红色保全制服且守卫在办公室柜台之安全人员。谢尔(Scher)为了纽约柔森画廊(Andrea Rosen Gallery)的表演，她租用监视直升机将访客进入与离开画廊的画面摄录下来，并将他们的影像播放在画廊外的屏幕上。这种嘲讽损害当代艺术的装置艺术是依赖科技支持以利保障我们个人及公共安全，因为它们不但关系到公司企业的人身安全紧急问题，且也逐渐成为现代生活不可或缺的装置。谢尔(Scher)的装置艺术吸引了来自美国、欧洲与亚洲广大民众的支持。

这类型艺术家以新的观点结合昔日前卫艺术，试图消除艺术与生活之间的界线。透过他们的知识见解及非凡杰作可以发现艺术俨然成为生活，且这股风潮也成为当代公共艺术最创新的方法基础。「录像艺术plop art」更深一层的概念即是座落在公众广场中央的焊接铁，现今许多在公共领域创作的艺术家都非常积极主动与社群成员共同创作艺术作品。再次强调，这种艺术形式与传统艺术作品几乎无雷同之处。

艺术家普鸣(J. Morgan Puett)便利用这种方式在南卡罗莱那州查尔司敦的2002年斯伯拉图艺术节(Spoleto Festival)中创造独特魅力。她的作品称为《家庭式工业》(Cottage Industry)，且某种程度而言真的是名如其实。普鸣(Puett)接手一栋位于昔日黑人区的废弃隔板房，但此区目前已因都市更新计划而无住户居住，接着她将这风化建筑物改造为一间小型的服装工厂。普鸣(Puett)与本地织布工、女裁缝师及染工合作，建立起不分阶级的纺织业及服装业，也就是说南卡罗莱那州南北战争前她所制作的服装不但适合农庄主人也适合奴隶穿着。她女仆身穿的洋装便结合郝思嘉(Scarlett O’Hara)真实生活中最喜爱的紧身束腹与粗棉贴身内衣，这样就能以美学观点打破以往区别主人与仆人之间的阶级界线。

在普鸣(Puett)的展览期间她的工匠开始改造她的房子，不但设置会议室、设计工作室、缝纫室、编织区以及让访客能订制服装的商店区。从政治观点来看，普鸣(Puett)厘清了几个重点。她的作品其实蕴含着查尔司敦的艰难历程，也为查尔司敦居民可能着手进行的小型商业企业类型提供典型模式。此外，她的作品还帮助艺术人类与非艺术人类针对城市里最弱势的居民谈论城市更新的影响力。普鸣(Puett)的作品其”艺术人文”一面包括制作稀奇古怪的服装以及为艺术动员查尔司敦的工匠。

虚拟世界
美国艺术也跨足虚拟领域，艺术家开始创作体验在线新世界的作品。虚拟领域中最雄心壮志的艺术家之一就属马修•里奇(Matthew Ritchie)，他以令人难以理解的方式解释他创造的宇宙演变论并将其完整呈现在他的网站上。里奇(Ritchie)的创作是以西方世界的创世神话为基础，并利用因特网游戏里的某种互动科技高效运作，且此作品是以象征人脑不同区域的7个损毁天界代表为主轴，这7个天界代表从天堂坠入凡间并碎裂为7大洲。为了能吸引网络读者的注意力，里奇(Ritchie)将这些不连贯的故事组合再结合，创造出一套无限可能的完整故事。

同时，为了那些偏好虚实参半的读者，里奇(Ritchie)还将他的故事用抽象画表达，不论是墙上、天花板亦或是画廊地板都是他的作画空间，且他其中一副被永久保存的壁画就设置在波士顿麻省理工学院里。里奇(Ritchie)的故事细节也许处理模糊，但是他创作的寓言故事却颂扬艺术家在虚拟新世界成为成功发明者的角色。

艺术家也将数字科技与较传统的媒体合而为一。其中最显著的代表就是巴基斯坦出生现居住纽约的艺术家沙兹亚•西莰达(Shahzia Sikander)，她研究的是传统微型图画绘画术。她是以她精美雅致的水彩画闻名，且她的绘画是以全面技巧融合印度及伊斯兰女性的形象所著称。然而在她于德州居住的期间，她利用逐渐流行的亚洲与西方艺术传统中获取的破碎影像、文字及符号创造数字绘画。这个过程也让她如今日在全球化艺术世界里的外来艺术家般体验到制作千变万化图形图像的乐趣。

结合新观念的传统艺术
艺术家探索研究新兴媒体并不等同于摒弃传统艺术媒体。另一当代趋势为重新制作有纪念价值的艺术传统，只是过去与现代的界线早已模糊不清。这些不在意艺术历史进化论的艺术家所探究的传统也不过是消逝已久的传统。

举例而言，福特(Walton Ford)结合令人深深着迷的现实主义以及19世纪艺术家约翰•詹姆斯•奥杜邦(John James Audubon)其精致优美的植物与动物插图之精髓创造出自然绘画。之后福特(Ford)的画作出现新的转折点，他采用幽默诙谐的手法将他的绘画转变为帝国主义的讽刺寓言。纽约保罗卡斯敏画廊(Paul Kasmin Gallery)展出的一系列画作中有幅画是一只猴子一手拿着水烟筒，一手翻阅探险家日记；另一幅则是巨大的欧掠鸟作势吞下较小型鸟类的画作。

约翰•柯林(John Currin)也以相同手法创作充满古典意味的裸体画像和肖像画。他一丝不苟的油画与15世纪和16世纪北方文艺复兴及早期众所皆知的风格主义传统极相似，但是他给予人的感觉总好像有些不对劲。他特别偏好描绘变形扭曲的身体或脸部特征，且空洞眼神是他赋予绘画人物的主要特色，与上一代的大师级绘画相比，他的画作较与当代时尚流行相关。他结合老式与新兴艺术，模糊历史自觉与现代意识之间的差别。

打破界限
此概要综述应厘清当代艺术是否达到改变形式及打破界限的目的。任何结合不同趋势的艺术形式都无法仅以简易的艺术定义含括。此种发展代表上一代艺术概念其意义深远的变革，它不但强调与现实生活做出区隔，并依据内部口述规章发展及改变它的趋势。现在艺术功能里里外外都产生同等的变化。

在这打破界限的时代里，评论家的评论性任务日益困难但也愈易有趣。现在评论家很难写出与一系列正规发展或一连串有序运动一样的美国当代艺术评论。艺术反而成为过滤对我们进行疲劳轰炸的繁杂信息和矛盾讯息之有效模式。当代艺术完全不受纪律教条、艺术传统及呈现形式的束缚，它以复杂多元、敏感劲爆及要求诉诸理智的形式立足世界。